Mon tra­vail sur la por­ce­laine a com­mencé par la réa­li­sa­tion de bols très fins mais je vou­lais repous­ser les limites de la matière et don­ner libre cours à mon imagination.

Après de mul­tiples recherches et expé­ri­men­ta­tions à la limite des pro­prié­tés du maté­riau, je me suis désor­mais tour­née vers des formes aux excrois­sances aériennes ou cou­vertes de lan­guettes fine­ment entrelacées.

Ce résul­tat est obtenu par l’adjonction de pâte à papier et de fibres tex­tiles dans la por­ce­laine ce qui lui donne du corps tout en conser­vant une grande sou­plesse de tra­vail. De fines feuilles de papier por­ce­laine sont d’abord étalées sur un plâtre pour être ensuite mises en forme, décou­pées en longs rubans, déchi­rées ou assem­blées au gré de mon inspiration.

La cuis­son en oxy­da­tion à 1250° garde la blan­cheur de la por­ce­laine et lui confère une trans­lu­ci­dité remar­quable qui lui donne un aspect presque vivant.

La por­ce­laine asso­ciée au papier ou à des fibres ouvre un champ d’expérimentation aux pos­si­bi­li­tés quasi infi­nies qui conti­nuent de gui­der mon ins­pi­ra­tion vers des formes irréelles et aériennes.

L'objet attire le regard des spectateurs à travers son spectre lumineux.
Donc le mouvement et la distance sont indispensables pour que l'on puisse y accéder.

Un roseau tremblant par la vue
Un roseau vibrant par la pensée
Un roseau secouant par le silence
se balance sans cesse...

L'un des passages de Pascale "L'homme est un roseau pensant" assimile l'homme à la poussière et le corps humain, à la réalité. Alors que la pensée est infinie, l'homme est faible mais peut aussi être fort comme le verre dans l'univers.

La réflexion et la transparence
La présence et l'absence
L'invisible et le visible

Mon travail provoque l'excitation du spectateur quand il voit les lignes disparaître par le mouvement.
En effet, l'objet est constitué de plaques de verre collées l'une sur l'autre à l'aide d'une colle bleue.
Afin que les lignes ne soient pas visibles, j'invite le spectateur à bouger sans interruption autour de la pièce.
Le mouvement du spectateur autour de mon oeuvre semblable à un roseau...

CAÈS est un Label et Atelier fondé par la designer et plasticienne textile Amandine Lamand. Il propose des toiles tissées contemporaines et des objets textiles destinés au design d'intérieur. Chaque pièce, conçue comme un tableau est unique et soigneusement fabriquée à la main dans l'atelier. CAÈS tisse la trame et brode sans à priori sur les résultats en interrogeant les différents niveaux d'interventions dans un processus de création exploratoire et intuitif. Un travail d'écriture textile qui s'étend à l'infini. 

-*-

Oser. Tisser et s’exprimer dans l’acte de faire, fil après fil, pour en définir son propre langage. Broder ou dessiner, poser une couleur, un point cousu à l'image d'une encre. Une technique, au service d’une création plus libre, qui se laisse porter et composer la toile. Chercher l’inattendu, la particularité.

Imposer la couleur, franche ou subtile, parfois chamarrée ou hachurée. Donner à la fibre toute sa dimension, l'entrecroiser, la combiner et la lier. Un trouble entre les fils de chaine, de trame et de broderie. Une alchimie.

Germinations existentielles de Caroline Léger

Interroger la vie, l'essence de l'existence et ses renaissances, Caroline Léger tisse des liens utiles inéluctablement entrelacés, entre l'humanité et la nature. Ces germinations n'en finissent pas de pousser, d'éclore magnifiquement dans un terreau de fibres tissées et aérées pour pourrir de leur vivant puis renaître inexorablement. Ce cycle incessant, bal insolent de liberté et d'éternité oblige à l'humilité. Observer ses compositions ou décompositions est fascinant tant on a oublié la culture de la vie, la force d'une nature simplement sublimée qui reprend ses droits au milieu de n'importe où.

Les recherches végétales de l'artiste croisent les matériaux et la tapisserie. Des graines s'élèvent entre les mailles des textiles, linceuls maculés ou sombres, glissent sur les mots abîmés ou s'agrippent sur les pages des livresrongés par des prédateurs dissimulés. Adaptées, elles évoluent même enfermées dans des boîtes de vert méthodiquement rangées dans une Faculté. Un brin d'humidité, des systèmes d'irrigation autonomes inventés, alors vient le temps d'un recul nécessaire, d'un travail éphémère, essentiel, poste d'observation existentiel.

Les oeuvres de Caroline Léger invitent à la méditation, installations uniques, elle travaille en fonction du temps d'une exposition, "pour moi c'est la vie qui m'intéresse", valeurs perdues, expérimentations, attente lente, fruit de la nature perdue ou défendue ? 

Edith Liégey

Dans mes différentes recherches, donner la vie est essentiel. Ici, des pommes de terre germées et séchées donnent vie à cette famille de dragons.

« Bouches »

32 empreintes de ma bouche fixées au mur de manière linéaire. Entre respirations, souffles et cris. Entre les lignes, échos silencieux. Le travail de moulage permet ce moment d’arrêt, de suspend où tout est retenu, contenu. Contraint par la prise et réduit à une unique bouche, quelque chose à échappé à mon visage. C’est là que j’ai tenté de préserver l’ambiguïté de sa lecture. Le vis-à-vis, l’identification, la distance, le rejet… peuvent opérer.

« Jaune »

Ce travail profite des déformations de la matière à la cuisson. Il est réalisé par coulage dans des moules en plâtre, d'une barbotine de porcelaine-fondant colorée dans la masse. Durant la cuisson la terre réagit comme un émail et fond. Les pièces se déforment et se soudent entre elles en s'écrasant l'une sur l'autre. A la fois prétexte, sujet même du travail et outil premier, la main comme objet d'étude. Que devient l'émail quand il prend forme, et puis la perd? Mise en place de conditions techniques.  Que devient l'objet quand le volume se perd? Laisser l'image se révéler.

J’ai suivi le parcours de la dame depuis des années, et je retrouve dans son œuvre quelques points communs : depuis le début, elle manifeste un certain plaisir du détournement, de la récupération d’objets perdus, oubliés, inutiles ou futiles…
D’abord des vieux courriers, des factures périmées, des publicités anciennes, des morceaux de dessin et maintenant des vieux fils, des racines desséchées, ensuite on peut remarquer chez elle une certaine fascination de l’image, du reflet qui se déforme et s’éloigne de l’original pour devenir lui-même un objet neuf, AUTRE.
Depuis le début, elle joue sur ces deux tableaux là et met ses couleurs sur des objets en principe oubliés, morts. S’il y a un fil directeur, il est là.
Peut-être est-ce là une des faces de l’art : défier la mort, la mettre en échec symbolique, jouer avec pour la déjouer ?
Elle-même voit cependant l’art plus simplement que cela : pour elle, ce ne serait qu’une sorte de clef, un moyen d’ouvrir des portes, de créer des ouvertures, des boulevards même, et de créer des liens. Entrer en lien avec des ficelles ? Tiens tiens…
Pour elle, l’art est une manière de rêver, et elle ne trouve pas cela vraiment sérieux, elle qui veut uniquement nous entraîner dans ses rêves. Expliquer ses rêves, les vôtres ?
Mais les nouveaux éclairages, cela lui plait : aller à la base des choses, creuser jusqu’à la racine, puis en donner une autre vue, une seconde lecture, puis une troisième…
On marche il est vrai sur beaucoup de choses enterrées, qu’on ne voit même pas, et lorsqu’on les déterre et les regarde, on pense à autre chose en les voyant, par simple association d’idées, par effet miroir de notre imagination.
Le miroir inverse les choses… Prenons le mort et le vivant : la terre, demeure des morts, est remplie de racines bien vivantes. Arrachez ces racines et elles meurent… leurs poses figées, tordues sont alors bien celles de la mort.

Mais la couleur leur redonne une vie.

Mettre en lumière dessèche donc et tue, et mettre en couleurs suscite, ou ressuscite. Le vivant a alors l’air mort, et le mort semble vivant.
La mort est le domaine de l’ombre et le vivant celui de l’image.
Mais c’est quoi une ombre ? Etre l’ombre de soi-même, qu’est ce donc ? Sans y toucher, on parle là du visible et de l’invisible, de l’unique et de l’infini.
Car pour un seul objet, nous avons une infinité d’ombres possibles, qui changent et bougent avec la lumière. L’ombre a donc sa propre vie, même l’ombre d’un objet mort.
L’image d’un objet par ailleurs est aussi un objet, qui possède donc sa propre ombre.
Cette image est épinglée comme un insecte très fragile, aussi fragile peut être qu’une racine desséchée, entourée de minces fils de couleurs.
C’est fugace tout cela… Tout ne tient qu’à un fil finalement, comme nos vies, Monsieur.
Le fil est ce qui compte, le lien. Faut créer du lien, et cela ne s’achète pas, ne se vend pas.
Le fil est récupéré, donné, recyclé. Réinventé.

C’est tout un art.

Mauro Baccarini

Mon tra­vail actuel s’élabore à par­tir de l’utilisation de deux types d’éléments en por­ce­laine: d’une part des colom­bins ner­vu­rés fabri­qués à l’extrudeuse et d’autre part de fines feuilles obte­nues par cou­lage sur dalles de plâtre.
L’association de ces 2 éléments d’esprit anta­go­niste me per­met d’imaginer des struc­tures spa­tiales unis­sant sou­plesse et rigueur en déga­geant un sen­ti­ment de fra­gi­lité et d’instabilité.
La simple imbri­ca­tion des deux éléments réunis de manière natu­relle sans arti­fice ni col­lage uni­que­ment par le tru­che­ment de per­fo­ra­tions m’amène à construire des sculp­tures qui subissent de sub­tiles modi­fi­ca­tions au gré des mani­pu­la­tions.
Cette mobi­lité rela­tive me per­met de faire varier la situa­tion des éléments dans l’espace et décou­vrir de nou­veaux équi­libres précaires.

Artiste pluridisciplinaire, Christine Mawet est diplômée de la Cambre en design textile et de l’IHECS en communications sociales. Depuis 2008, elle anime des ateliers en création textile (maille et sérigraphie). Elle est régulièrement sollicitée pour des réalisations dans l’espace public, en Belgique et à l’étranger. S’exprimant à travers différents médiums tels que le dessin, la photographie, le design textile ou encore la céramique, Christine Mawet cherche à déjouer le temps qui passe. Son travail explore les notions de disparition et de traces, de mémoire et d’oubli. C’est ainsi, qu’en 2010, dans le cadre du Festival des 5 saisons à Chaudfontaine, l’artiste s’est inspirée des feuilles en éventail du gingko biloba, un arbre millénaire extrêmement résistant, et une clinique de chirurgie esthétique toute proche, pour réaliser des broderies, comme des points de suture, sur des feuilles mortes pour créer d’étonnantes «fleurs», symboles de vanité. Depuis 2012, elle travaille sur le projet Back to the tools, dont les motifs provenant d’un catalogue d’outils de jardinage ayant appartenu à la société de son grand-père, sont déclinés sous diverses formes (photographie, céramique, papier peint, textile, …) et détournés de leur fonction originelle nous renvoyant ainsi à sa thématique de prédilection : la vanité des êtres et des choses.

Dorothée Duvivier, BPS22

Mon maté­riau d’élection est le colom­bin, pâte patiem­ment pétrie où la trace se façonne, où se forge la mémoire. Mon tra­vail part d’une réflexion, d’un mot, une phrase lue ou enten­due que je médite et visua­lise peu à peu dans mon car­net de croquis.

Mes œuvres relèvent un peu de l’écriture auto­ma­tique des artistes sur­réa­listes (du moins, dans ce qu’elle a d’esthétique). Une phrase, une pen­sée sus­cite chez moi, des images, des courbes, des lignes har­mo­nieuses et sen­suelles. Matérialisation du prin­cipe même du non-perceptible, mes pièces sont autant de pistes à suivre sur le che­min de la vie. A ma table de tra­vail, ma pièce évolue encore au cours de sa fabri­ca­tion. D’autres vien­dront la rejoindre, dif­fé­rentes mais de la même famille. Enfants com­plices de mes pen­sées, engen­drées de mes mains, elles naissent les unes après les autres et s’installent dans l’espace. Les oxydes et les engobes les vêtissent. Ensuite, elles passent par le feu, stade ultime et comme ini­tia­tique, elles deviennent adultes. Achevées, les œuvres m’échappent. Elles existent par elles-mêmes et n’appartiennent plus qu’aux regards qui les découvrent.

Elise Péroi, designer et plasticienne textile a fait ses études en Belgique. Elle est sortie lauréate de son Académie.

À partir d’un axe, tout se lie, s’entrecroise, se déploie. C’est dans cette formule que son travail prend sa source et son élan. Partant d’une technique ancestrale ou l’acte de faire a autant de valeur que le produit fini, tisser est pour elle un moyen de s’exprimer et de s’inclure dans le monde actuel. Il s’agit pour elle d’un travail d’écriture textile qui s’étend à l’infini.

Elle puise dans la nature les idées comme les matériaux de ses travaux.Son travail se nourrit de diverses pensées et lectures qui invitent à réfléchir sur la richesse de la nature dans laquelle tout s’articule et se répond pour former une géométrie et une harmonie parfaites. Ses créations l’entraînent vers différentes pratiques reliées à ses tissages, tels le dessin, la peinture, les collages et la soudure afin de construire exactement les supports adaptés à ses créations textiles.

Le tissage renvoie à l’expression du corps tout entier. Par tous ces gestes qui se suivent et se croisent, une sorte de danse s’offre à nous.
A partir du centre de son expression s’étend un vaste territoire où tout est relié qu’elle souhaite explorer et partager.

Je suis convaincu que nous pouvons garantir le futur de la planète en respectant les richesses naturelles et en donnant la possibilité à la nature de se régénérer. Mes activités comme designer et ébéniste, sont basées sur cette conviction écologique.

Toutes mes créations sont fabriquées :

• à petite échelle et d’une manière artisanale,

• pour 100 % en bois feuillu indigène, massif, séché à l’air,

• assemblées avec des fixations en bois, traditionnelles et visibles, de telle façon qu’elles deviennent en même temps un détail esthétique,

• de telle manière que les plus grands meubles puissent toujours être démontés sans outils, ce qui facilite les transports, des réparations ou la transformation au cours de leurs vies,

• en gardant l’idée que l’existance du meuble doit pouvoir dépasser la durée de vie de l’arbre dont il est issu,

• avec respect pour le caractère de chaque essence appliquée : autant ses qualités techniques que sa singularité esthétique, je cherche à les intégrer les deux ensemble tout en harmonie,

• avec une finition de chaque côté à l’huile naturelle, appliquée sur la surface bien polie, les coins soigneusement arrondies, facilitant l’entretien et donnant un toucher agréable au bois.

Matériaux

Fils de Coton et lin

Crochets

Technique

Textile - Crochet manuel

Fabrication

Sculptures textile

Formée à la sculpture et au graphisme, Marie-Noëlle Risack délivre à partir d’un travail textile au crochet des coiffes contemporaines qui évoquent le monde animal et végétal. 

« Le versant organique de mon travail entre en connexion avec le vivant »
                                                                                        Marie-Noëlle Risack

Inciser. Proliférer. Inciser l’espace. Proliférer dans. Le trait découpe. 
Le motif s’organise. Les éléments sont nébuleuses, galaxies. 
Le motif s’organique : bactéries, cellules. Suit la direction spirale qui le ramène à lui et l’extrait vers le dehors. 
L’apparemment fini s’apparente à l’infini. 

Ainsi la vie, les cycles. Du minéral au végétal, de l’origine à la mort, du microscopique à l’incommensurable. 
Se condense en ces traits, en ces formes, en ces volumes le processus qui engendre les univers et les êtres.

Le mouvement est celui du temps. Dans l’instantané et dans la durée. 
Paradoxe de la réalité de ce qui nous entoure au sein du mystère même de l’existence. 
Celui du présent, relais permanent éphémère entre passé et futur.


Michel VOITURIER.