Chaque pièce est un laboratoire.

Le processus de création se déroule toujours de la même façon.
Une idée inconsciente s’impose sous forme d’image.
La fonction du bijou (bracelet, collier ou broche) ainsi que le format de la pièce sont évident dès le départ.

S’en suit la recherche des matériaux adéquats pour exprimer le bijou.
Après les divers essais de matière, l’objet devient concret et sa signification en émane.

Je renforce alors sa lecture et son esthétique en éliminant les détails superflus et en tenant compte du tombé des matières, du mouvement du bijou sur le corps et de la légèreté des éléments.

Le titre intervient à cet instant, le Bijou devient alors une œuvre, une confidence….

Dans cette collection, l’écrin  de certaines pièces fait partie intégrante de la composition de l’œuvre, qui devient alors un objet design,  à exposer, admirer puis à porter en bijoux.

Plasticienne née à Lisbonne en 1979 et basée à Bruxelles. Elle a grandi dans l’univers des ouvrages de dames, entre les aiguilles et le crochet. Elle a étudié la céramique, la peinture et la sculpture à La Cambre (Bruxelles). Ses récentes expositions abordent l’univers féminin sous différents angles, avec des matériaux comme la porcelaine, le latex, les tissus et les cheveux notamment, qu’elle modèle, tripote, triture et exploite jusqu’aux limites physiques et métaphoriques.

Ses « Porcelaines », des bas, des tours de cou et de poignet tricotés en céramique, nous parlent de blancheur et de légèreté solide.

Dans « L’hôpital des arbres », ce sont des bandages en porcelaine qui cautérisent les extrémités de branches d’arbres cassées, dans une rencontre où la nature prend le dessus.

« Deuxième peau », ce sont des robes et des accessoires en cheveux humains tressés et tissés qui laissent transparaître la mortalité de l’être dans l’immuabilité du matériau.

Elle expose ses productions soignées et raffinées en Belgique, en Italie et au Portugal. Son travail explore sans détours la position de la femme d’hier, d’aujourd’hui, et de demain.

Tout en continuant l’exploration de formes utilitaires, j’avais envie de revenir aux traces de civilisations imaginaires ou réelles gravées sur mes premières sculptures de pierre et de porcelaine.

Cette ligne de création ne s’est pas vraiment interrompue, mais les supports ont variés. Depuis bientôt six ans, j’ai développé une création plus axée sur l’utilitaire, avec parfois une sculpture figurative.

Pour cette expo, les pièces en porcelaine seront un complément onirique ou cauchemardesque des panneaux déjà réalisés.

Technique : porcelaine émaillée, engobes et crayons oxydes, crayons sur panneau multiplex bouleau.

Ostensible.  Ostentatoire.

L’os, cet objet universel qui nous constitue.

L'os n'est pas une forme inerte et unique, il s'articule avec d'autres os et structures dans un processus de mouvement continu. L’os, architecture humaine protectrice de nos organes.

Le but de ma recherche n’est pas la création d’une collection ou d’un ossuaire.  Loin du fétichisme, il s’agit plutôt de l’invention de nouvelles structures osseuses imaginaires, improbables, futuristes, anticipatives, au-delà des formes et matières liées à l'anatomie.

Empreintes, articulations, emboîtements, constructions, moulages, coulages et tirages sont les mots-clés de mes expérimentations.

Atrophies, greffons, luxations, fractures, chirurgie osseuse, ablations, incisions, coutures, sutures, soudures, cicatrisations, attèles, bandages et plâtres, injections de fluides céramiques, bax-terre. 

Autant de manœuvres occultes et de phénomènes guérisseurs se rythment et se contorsionnent sur la table d’opération de ma création.

CAÈS est un Label et Atelier fondé par la designer et plasticienne textile Amandine Lamand. Il propose des toiles tissées contemporaines et des objets textiles destinés au design d'intérieur. Chaque pièce, conçue comme un tableau est unique et soigneusement fabriquée à la main dans l'atelier. CAÈS tisse la trame et brode sans à priori sur les résultats en interrogeant les différents niveaux d'interventions dans un processus de création exploratoire et intuitif. Un travail d'écriture textile qui s'étend à l'infini. 

-*-

Oser. Tisser et s’exprimer dans l’acte de faire, fil après fil, pour en définir son propre langage. Broder ou dessiner, poser une couleur, un point cousu à l'image d'une encre. Une technique, au service d’une création plus libre, qui se laisse porter et composer la toile. Chercher l’inattendu, la particularité.

Imposer la couleur, franche ou subtile, parfois chamarrée ou hachurée. Donner à la fibre toute sa dimension, l'entrecroiser, la combiner et la lier. Un trouble entre les fils de chaine, de trame et de broderie. Une alchimie.

Germinations existentielles de Caroline Léger

Interroger la vie, l'essence de l'existence et ses renaissances, Caroline Léger tisse des liens utiles inéluctablement entrelacés, entre l'humanité et la nature. Ces germinations n'en finissent pas de pousser, d'éclore magnifiquement dans un terreau de fibres tissées et aérées pour pourrir de leur vivant puis renaître inexorablement. Ce cycle incessant, bal insolent de liberté et d'éternité oblige à l'humilité. Observer ses compositions ou décompositions est fascinant tant on a oublié la culture de la vie, la force d'une nature simplement sublimée qui reprend ses droits au milieu de n'importe où.

Les recherches végétales de l'artiste croisent les matériaux et la tapisserie. Des graines s'élèvent entre les mailles des textiles, linceuls maculés ou sombres, glissent sur les mots abîmés ou s'agrippent sur les pages des livresrongés par des prédateurs dissimulés. Adaptées, elles évoluent même enfermées dans des boîtes de vert méthodiquement rangées dans une Faculté. Un brin d'humidité, des systèmes d'irrigation autonomes inventés, alors vient le temps d'un recul nécessaire, d'un travail éphémère, essentiel, poste d'observation existentiel.

Les oeuvres de Caroline Léger invitent à la méditation, installations uniques, elle travaille en fonction du temps d'une exposition, "pour moi c'est la vie qui m'intéresse", valeurs perdues, expérimentations, attente lente, fruit de la nature perdue ou défendue ? 

Edith Liégey

Dans mes différentes recherches, donner la vie est essentiel. Ici, des pommes de terre germées et séchées donnent vie à cette famille de dragons.

« Bouches »

32 empreintes de ma bouche fixées au mur de manière linéaire. Entre respirations, souffles et cris. Entre les lignes, échos silencieux. Le travail de moulage permet ce moment d’arrêt, de suspend où tout est retenu, contenu. Contraint par la prise et réduit à une unique bouche, quelque chose à échappé à mon visage. C’est là que j’ai tenté de préserver l’ambiguïté de sa lecture. Le vis-à-vis, l’identification, la distance, le rejet… peuvent opérer.

« Jaune »

Ce travail profite des déformations de la matière à la cuisson. Il est réalisé par coulage dans des moules en plâtre, d'une barbotine de porcelaine-fondant colorée dans la masse. Durant la cuisson la terre réagit comme un émail et fond. Les pièces se déforment et se soudent entre elles en s'écrasant l'une sur l'autre. A la fois prétexte, sujet même du travail et outil premier, la main comme objet d'étude. Que devient l'émail quand il prend forme, et puis la perd? Mise en place de conditions techniques.  Que devient l'objet quand le volume se perd? Laisser l'image se révéler.

J’ai suivi le parcours de la dame depuis des années, et je retrouve dans son œuvre quelques points communs : depuis le début, elle manifeste un certain plaisir du détournement, de la récupération d’objets perdus, oubliés, inutiles ou futiles…
D’abord des vieux courriers, des factures périmées, des publicités anciennes, des morceaux de dessin et maintenant des vieux fils, des racines desséchées, ensuite on peut remarquer chez elle une certaine fascination de l’image, du reflet qui se déforme et s’éloigne de l’original pour devenir lui-même un objet neuf, AUTRE.
Depuis le début, elle joue sur ces deux tableaux là et met ses couleurs sur des objets en principe oubliés, morts. S’il y a un fil directeur, il est là.
Peut-être est-ce là une des faces de l’art : défier la mort, la mettre en échec symbolique, jouer avec pour la déjouer ?
Elle-même voit cependant l’art plus simplement que cela : pour elle, ce ne serait qu’une sorte de clef, un moyen d’ouvrir des portes, de créer des ouvertures, des boulevards même, et de créer des liens. Entrer en lien avec des ficelles ? Tiens tiens…
Pour elle, l’art est une manière de rêver, et elle ne trouve pas cela vraiment sérieux, elle qui veut uniquement nous entraîner dans ses rêves. Expliquer ses rêves, les vôtres ?
Mais les nouveaux éclairages, cela lui plait : aller à la base des choses, creuser jusqu’à la racine, puis en donner une autre vue, une seconde lecture, puis une troisième…
On marche il est vrai sur beaucoup de choses enterrées, qu’on ne voit même pas, et lorsqu’on les déterre et les regarde, on pense à autre chose en les voyant, par simple association d’idées, par effet miroir de notre imagination.
Le miroir inverse les choses… Prenons le mort et le vivant : la terre, demeure des morts, est remplie de racines bien vivantes. Arrachez ces racines et elles meurent… leurs poses figées, tordues sont alors bien celles de la mort.

Mais la couleur leur redonne une vie.

Mettre en lumière dessèche donc et tue, et mettre en couleurs suscite, ou ressuscite. Le vivant a alors l’air mort, et le mort semble vivant.
La mort est le domaine de l’ombre et le vivant celui de l’image.
Mais c’est quoi une ombre ? Etre l’ombre de soi-même, qu’est ce donc ? Sans y toucher, on parle là du visible et de l’invisible, de l’unique et de l’infini.
Car pour un seul objet, nous avons une infinité d’ombres possibles, qui changent et bougent avec la lumière. L’ombre a donc sa propre vie, même l’ombre d’un objet mort.
L’image d’un objet par ailleurs est aussi un objet, qui possède donc sa propre ombre.
Cette image est épinglée comme un insecte très fragile, aussi fragile peut être qu’une racine desséchée, entourée de minces fils de couleurs.
C’est fugace tout cela… Tout ne tient qu’à un fil finalement, comme nos vies, Monsieur.
Le fil est ce qui compte, le lien. Faut créer du lien, et cela ne s’achète pas, ne se vend pas.
Le fil est récupéré, donné, recyclé. Réinventé.

C’est tout un art.

Mauro Baccarini

Mon tra­vail actuel s’élabore à par­tir de l’utilisation de deux types d’éléments en por­ce­laine: d’une part des colom­bins ner­vu­rés fabri­qués à l’extrudeuse et d’autre part de fines feuilles obte­nues par cou­lage sur dalles de plâtre.
L’association de ces 2 éléments d’esprit anta­go­niste me per­met d’imaginer des struc­tures spa­tiales unis­sant sou­plesse et rigueur en déga­geant un sen­ti­ment de fra­gi­lité et d’instabilité.
La simple imbri­ca­tion des deux éléments réunis de manière natu­relle sans arti­fice ni col­lage uni­que­ment par le tru­che­ment de per­fo­ra­tions m’amène à construire des sculp­tures qui subissent de sub­tiles modi­fi­ca­tions au gré des mani­pu­la­tions.
Cette mobi­lité rela­tive me per­met de faire varier la situa­tion des éléments dans l’espace et décou­vrir de nou­veaux équi­libres précaires.

Artiste pluridisciplinaire, Christine Mawet est diplômée de la Cambre en design textile et de l’IHECS en communications sociales. Depuis 2008, elle anime des ateliers en création textile (maille et sérigraphie). Elle est régulièrement sollicitée pour des réalisations dans l’espace public, en Belgique et à l’étranger. S’exprimant à travers différents médiums tels que le dessin, la photographie, le design textile ou encore la céramique, Christine Mawet cherche à déjouer le temps qui passe. Son travail explore les notions de disparition et de traces, de mémoire et d’oubli. C’est ainsi, qu’en 2010, dans le cadre du Festival des 5 saisons à Chaudfontaine, l’artiste s’est inspirée des feuilles en éventail du gingko biloba, un arbre millénaire extrêmement résistant, et une clinique de chirurgie esthétique toute proche, pour réaliser des broderies, comme des points de suture, sur des feuilles mortes pour créer d’étonnantes «fleurs», symboles de vanité. Depuis 2012, elle travaille sur le projet Back to the tools, dont les motifs provenant d’un catalogue d’outils de jardinage ayant appartenu à la société de son grand-père, sont déclinés sous diverses formes (photographie, céramique, papier peint, textile, …) et détournés de leur fonction originelle nous renvoyant ainsi à sa thématique de prédilection : la vanité des êtres et des choses.

Dorothée Duvivier, BPS22

Mon maté­riau d’élection est le colom­bin, pâte patiem­ment pétrie où la trace se façonne, où se forge la mémoire. Mon tra­vail part d’une réflexion, d’un mot, une phrase lue ou enten­due que je médite et visua­lise peu à peu dans mon car­net de croquis.

Mes œuvres relèvent un peu de l’écriture auto­ma­tique des artistes sur­réa­listes (du moins, dans ce qu’elle a d’esthétique). Une phrase, une pen­sée sus­cite chez moi, des images, des courbes, des lignes har­mo­nieuses et sen­suelles. Matérialisation du prin­cipe même du non-perceptible, mes pièces sont autant de pistes à suivre sur le che­min de la vie. A ma table de tra­vail, ma pièce évolue encore au cours de sa fabri­ca­tion. D’autres vien­dront la rejoindre, dif­fé­rentes mais de la même famille. Enfants com­plices de mes pen­sées, engen­drées de mes mains, elles naissent les unes après les autres et s’installent dans l’espace. Les oxydes et les engobes les vêtissent. Ensuite, elles passent par le feu, stade ultime et comme ini­tia­tique, elles deviennent adultes. Achevées, les œuvres m’échappent. Elles existent par elles-mêmes et n’appartiennent plus qu’aux regards qui les découvrent.

Elise Péroi, designer et plasticienne textile a fait ses études en Belgique. Elle est sortie lauréate de son Académie.

À partir d’un axe, tout se lie, s’entrecroise, se déploie. C’est dans cette formule que son travail prend sa source et son élan. Partant d’une technique ancestrale ou l’acte de faire a autant de valeur que le produit fini, tisser est pour elle un moyen de s’exprimer et de s’inclure dans le monde actuel. Il s’agit pour elle d’un travail d’écriture textile qui s’étend à l’infini.

Elle puise dans la nature les idées comme les matériaux de ses travaux.Son travail se nourrit de diverses pensées et lectures qui invitent à réfléchir sur la richesse de la nature dans laquelle tout s’articule et se répond pour former une géométrie et une harmonie parfaites. Ses créations l’entraînent vers différentes pratiques reliées à ses tissages, tels le dessin, la peinture, les collages et la soudure afin de construire exactement les supports adaptés à ses créations textiles.

Le tissage renvoie à l’expression du corps tout entier. Par tous ces gestes qui se suivent et se croisent, une sorte de danse s’offre à nous.
A partir du centre de son expression s’étend un vaste territoire où tout est relié qu’elle souhaite explorer et partager.

Je suis convaincu que nous pouvons garantir le futur de la planète en respectant les richesses naturelles et en donnant la possibilité à la nature de se régénérer. Mes activités comme designer et ébéniste, sont basées sur cette conviction écologique.

Toutes mes créations sont fabriquées :

• à petite échelle et d’une manière artisanale,

• pour 100 % en bois feuillu indigène, massif, séché à l’air,

• assemblées avec des fixations en bois, traditionnelles et visibles, de telle façon qu’elles deviennent en même temps un détail esthétique,

• de telle manière que les plus grands meubles puissent toujours être démontés sans outils, ce qui facilite les transports, des réparations ou la transformation au cours de leurs vies,

• en gardant l’idée que l’existance du meuble doit pouvoir dépasser la durée de vie de l’arbre dont il est issu,

• avec respect pour le caractère de chaque essence appliquée : autant ses qualités techniques que sa singularité esthétique, je cherche à les intégrer les deux ensemble tout en harmonie,

• avec une finition de chaque côté à l’huile naturelle, appliquée sur la surface bien polie, les coins soigneusement arrondies, facilitant l’entretien et donnant un toucher agréable au bois.

Matériaux

Fils de Coton et lin

Crochets

Technique

Textile - Crochet manuel

Fabrication

Sculptures textile

Formée à la sculpture et au graphisme, Marie-Noëlle Risack délivre à partir d’un travail textile au crochet des coiffes contemporaines qui évoquent le monde animal et végétal. 

« Le versant organique de mon travail entre en connexion avec le vivant »
                                                                                        Marie-Noëlle Risack