L'objet attire le regard des spectateurs à travers son spectre lumineux.
Donc le mouvement et la distance sont indispensables pour que l'on puisse y accéder.

Un roseau tremblant par la vue
Un roseau vibrant par la pensée
Un roseau secouant par le silence
se balance sans cesse...

L'un des passages de Pascale "L'homme est un roseau pensant" assimile l'homme à la poussière et le corps humain, à la réalité. Alors que la pensée est infinie, l'homme est faible mais peut aussi être fort comme le verre dans l'univers.

La réflexion et la transparence
La présence et l'absence
L'invisible et le visible

Mon travail provoque l'excitation du spectateur quand il voit les lignes disparaître par le mouvement.
En effet, l'objet est constitué de plaques de verre collées l'une sur l'autre à l'aide d'une colle bleue.
Afin que les lignes ne soient pas visibles, j'invite le spectateur à bouger sans interruption autour de la pièce.
Le mouvement du spectateur autour de mon oeuvre semblable à un roseau...

Jeune diplômée, sortie majeure de ma promotion en 2016 de l’ESA St Luc Tournai, en option stylisme de l’objet.
J’ai eu l’occasion de concevoir mon propre univers empli de poésie s’animent autour de thèmes récurrents tels que l’enfance, l’imaginaire, le souvenir.
Au coeur de ce monde s'animent et vivent des formes anthropomorphes et organiques donnant un aspect très sculptural à mes objets, tout en alliant la technicité.
Les jeux des textures sont tout aussi importants dans mon travail car il permet d'explorer les limites, les contraintes des matériaux tout en créant diérents aspects, en passant du mou, dur, souple ou bien même doux. Tout ceci est principalement accompagné de recherches graphiques, de croquis, c'est ce qui permet à mes objets d'exister entre 2D et 3D.

Anne Marie Laureys a étudié la céramique au Hoger Kunst Instituut Sint Lucas de Gand. Depuis lors, plus un jour ne sʼest passé sans quʼelle ne touche à lʼargile. Son langage, cʼest le tour, sa façon de pénétrer le matériau.

Elle aime que ses céramiques expriment fraîcheur et passion. Elle les veut tactiles. Travailler lʼargile, cʼest explorer ses lois physiques et donner forme à la sensualité quʼelle en éprouve. Cʼest célébrer ce moment intense où émergent un espace, des formes fines et délicates qui révèlent la vitesse, la fluidité et lʼextrême plasticité de lʼargile. Dans ses formes tournées puis transformées, elle tente dʼinsuffler sa sensibilité toute personnelle, une sensibilité qui va de pair avec la tension et la flexibilité de la terre humide. Elle aime à stimuler une large palette de sens, à rendre palpable le geste, aussi mystérieux à ses yeux que lʼexpérience sexuelle.

« Mes céramiques, dit-elle, sont des métaphores de sensations. » Clay-e-motion.

Le travail dʼAnne Marie Laureys est présent dans les collections de la Province de Hainaut (Belgique), du Taipei County Yingge Ceramics Museum (Taiwan), du Arts and Crafts Museum de Shanghai (Chine) et du China and Keramikmuseum du Westerwald (Allemagne).

Le regard circule. Et la lumière traverse, du dedans au dehors, du dehors au dedans, de l'envers à l'endroit, et à travers. Quand la lumière s'en va, il reste les vides et ses bords, blanchis.

Poils hérissés, chenilles de transmission, tronçon de cylindre mouvant, éponges marines, structure trouée à double paroi trouée, calcification d'un oubli, portion d'abdomen d'insecte fossilisé.

Genèse. Le végétal armature sera choisi, cueilli, coupé. Puis, chaque petit tronçon sera trempé, enrobé de papier porcelaine. Il trouvera son double, s'accolera et prendra place, accolé de nouveau à ses congénères dans le minutieux et périlleux montage de la paroi. L'objet est élaboré dans une longue patience, un cocon de silence. La paroi est envers et endroit, elle tourne, rejoint son début et s'enroule. Elle s'élève et se fait ossature.

Quand viendra l'étape de la cuisson, le végétal sera brûlé, perdu. En négatif, resteront l'empreinte de sa texture et les vides laissés par le corps disparu. La consistance est maintenant du côté du papier porcelaine mais, est-ce lui qui structure la pièce ou sont-ce tous ces petits vides auxquels il donne forme ?

La douceur était intacte.

Marie Lebrun

Germinations existentielles de Caroline Léger

Interroger la vie, l'essence de l'existence et ses renaissances, Caroline Léger tisse des liens utiles inéluctablement entrelacés, entre l'humanité et la nature. Ces germinations n'en finissent pas de pousser, d'éclore magnifiquement dans un terreau de fibres tissées et aérées pour pourrir de leur vivant puis renaître inexorablement. Ce cycle incessant, bal insolent de liberté et d'éternité oblige à l'humilité. Observer ses compositions ou décompositions est fascinant tant on a oublié la culture de la vie, la force d'une nature simplement sublimée qui reprend ses droits au milieu de n'importe où.

Les recherches végétales de l'artiste croisent les matériaux et la tapisserie. Des graines s'élèvent entre les mailles des textiles, linceuls maculés ou sombres, glissent sur les mots abîmés ou s'agrippent sur les pages des livresrongés par des prédateurs dissimulés. Adaptées, elles évoluent même enfermées dans des boîtes de vert méthodiquement rangées dans une Faculté. Un brin d'humidité, des systèmes d'irrigation autonomes inventés, alors vient le temps d'un recul nécessaire, d'un travail éphémère, essentiel, poste d'observation existentiel.

Les oeuvres de Caroline Léger invitent à la méditation, installations uniques, elle travaille en fonction du temps d'une exposition, "pour moi c'est la vie qui m'intéresse", valeurs perdues, expérimentations, attente lente, fruit de la nature perdue ou défendue ? 

Edith Liégey

Dans mes différentes recherches, donner la vie est essentiel. Ici, des pommes de terre germées et séchées donnent vie à cette famille de dragons.

« Bouches »

32 empreintes de ma bouche fixées au mur de manière linéaire. Entre respirations, souffles et cris. Entre les lignes, échos silencieux. Le travail de moulage permet ce moment d’arrêt, de suspend où tout est retenu, contenu. Contraint par la prise et réduit à une unique bouche, quelque chose à échappé à mon visage. C’est là que j’ai tenté de préserver l’ambiguïté de sa lecture. Le vis-à-vis, l’identification, la distance, le rejet… peuvent opérer.

« Jaune »

Ce travail profite des déformations de la matière à la cuisson. Il est réalisé par coulage dans des moules en plâtre, d'une barbotine de porcelaine-fondant colorée dans la masse. Durant la cuisson la terre réagit comme un émail et fond. Les pièces se déforment et se soudent entre elles en s'écrasant l'une sur l'autre. A la fois prétexte, sujet même du travail et outil premier, la main comme objet d'étude. Que devient l'émail quand il prend forme, et puis la perd? Mise en place de conditions techniques.  Que devient l'objet quand le volume se perd? Laisser l'image se révéler.

J’ai suivi le parcours de la dame depuis des années, et je retrouve dans son œuvre quelques points communs : depuis le début, elle manifeste un certain plaisir du détournement, de la récupération d’objets perdus, oubliés, inutiles ou futiles…
D’abord des vieux courriers, des factures périmées, des publicités anciennes, des morceaux de dessin et maintenant des vieux fils, des racines desséchées, ensuite on peut remarquer chez elle une certaine fascination de l’image, du reflet qui se déforme et s’éloigne de l’original pour devenir lui-même un objet neuf, AUTRE.
Depuis le début, elle joue sur ces deux tableaux là et met ses couleurs sur des objets en principe oubliés, morts. S’il y a un fil directeur, il est là.
Peut-être est-ce là une des faces de l’art : défier la mort, la mettre en échec symbolique, jouer avec pour la déjouer ?
Elle-même voit cependant l’art plus simplement que cela : pour elle, ce ne serait qu’une sorte de clef, un moyen d’ouvrir des portes, de créer des ouvertures, des boulevards même, et de créer des liens. Entrer en lien avec des ficelles ? Tiens tiens…
Pour elle, l’art est une manière de rêver, et elle ne trouve pas cela vraiment sérieux, elle qui veut uniquement nous entraîner dans ses rêves. Expliquer ses rêves, les vôtres ?
Mais les nouveaux éclairages, cela lui plait : aller à la base des choses, creuser jusqu’à la racine, puis en donner une autre vue, une seconde lecture, puis une troisième…
On marche il est vrai sur beaucoup de choses enterrées, qu’on ne voit même pas, et lorsqu’on les déterre et les regarde, on pense à autre chose en les voyant, par simple association d’idées, par effet miroir de notre imagination.
Le miroir inverse les choses… Prenons le mort et le vivant : la terre, demeure des morts, est remplie de racines bien vivantes. Arrachez ces racines et elles meurent… leurs poses figées, tordues sont alors bien celles de la mort.

Mais la couleur leur redonne une vie.

Mettre en lumière dessèche donc et tue, et mettre en couleurs suscite, ou ressuscite. Le vivant a alors l’air mort, et le mort semble vivant.
La mort est le domaine de l’ombre et le vivant celui de l’image.
Mais c’est quoi une ombre ? Etre l’ombre de soi-même, qu’est ce donc ? Sans y toucher, on parle là du visible et de l’invisible, de l’unique et de l’infini.
Car pour un seul objet, nous avons une infinité d’ombres possibles, qui changent et bougent avec la lumière. L’ombre a donc sa propre vie, même l’ombre d’un objet mort.
L’image d’un objet par ailleurs est aussi un objet, qui possède donc sa propre ombre.
Cette image est épinglée comme un insecte très fragile, aussi fragile peut être qu’une racine desséchée, entourée de minces fils de couleurs.
C’est fugace tout cela… Tout ne tient qu’à un fil finalement, comme nos vies, Monsieur.
Le fil est ce qui compte, le lien. Faut créer du lien, et cela ne s’achète pas, ne se vend pas.
Le fil est récupéré, donné, recyclé. Réinventé.

C’est tout un art.

Mauro Baccarini

Autodidacte degraded at het royale street academy of surréaliste belgium’s live, j’ouvre mon atelier de création de bijoux en 1992. A l’ombre des fournisseurs brevetés de la Cour de Belgique, je sévis en toute indépendance comme petite main pour Sa Majesté la reine Paola, le vicomte Dirk Frimout, Folon, Somville, enzovoort…
Fin du second millénaire après Jésus Christ de Nazareth, l’Art Competition for jewellery design d’Helsinki me gratifie d’un beau diplôme et d’un joli chèque en dollars pour des bijoux en béton. Je m’offre Born to Be Wild de Steppenwolf et m’octroie le titre honorifique de fournisseur de l’espaaaace.
Ma démarche consiste à disposer promptement un pied devant l’autre ; la maîtrise de cette technique ancestrale permet de restreindre substantiellement la consommation de mon matériau de prédilection biodégradable qu’est la matière grise.
Mes œuvres se sont exhibées à 98 reprises en Europe, Australie, Asie, Amérique. Certaines se pavanent sur de belles poitrines, dans des salons privés ou musées. Since 1959, je suis l’unique exposant wallon à l’Evénement : ze « Schmuck » de Munich et ça c’est vachement bien.

Le travail d’Hugo Meert consiste à créer des objets ambigus véhiculant des messages culturels : une théière délivre un double message de type pictographique, un vase est auto vandalisé, un plat alimentaire prend la forme du continent africain… La céramique est centrale dans l’oeuvre d’Hugo Meert car elle lui permet d’explorer l’univers des objets du quotidien ayant trait à l’alimentation, a la fragilité, au sport comme métaphore de la competition. La tranlucidité de la porcelaine l’amène à créer par exemple ces lampes déformées qui rappellent le caractère incontrôlable de ce matériau au four avec un clin d’oeil aux lampes design bon marché.

Ludovic Recchia

L’art de la joaillerie est pour moi comme la micro-sculpture. Le bijou signifie pour moi l'évolution à quatre dimensions d'une pensée, d’un sentiment, d’une vision. C’est un petit ‘moment’ qui orne le paysage d'un corps, d’une personne, d’un territoire vivant des idées, des sentiments et des réflexions. C’est une histoire du passé qui glisse à travers une scission dans le temps vers le futur.
L'incarnation complète d'un matériau autrement mort, qui se transforme en un organisme vivant avec sa propre histoire. Quand je me mets à commencer à travailler sur une pièce, l'esprit éteint le bruit statique du monde, et commence à flotter dans un vide, un biotope primordial d'une idée. Humblement, mais avec détermination, le matériau dans mes mains commence à se manifester dans des innombrables interprétations possibles de la forme, la couleur, le toucher et le sentiment. Ce petit moment dans le spectre de temps infini est capturé. Le temps s'arrête et il devient un point de repère.
Dans le processus de la conception/fabrication d'un bijou, je collectionne généralement toutes les informations que je peux trouver sur mon thème. Je lis, je regarde des photos, j’écoute la musique, j’improvise sur mon piano et parfois, je fais des esquisses. C’est comme si je prépare une mise-en scène d’une histoire qui évolue avec la création de chaque pièce où série.…
Souvent, les formes et les images d’une création éventuelle apparaissent dans mes pensées quand je suis à l'écoute d'un morceau de musique, où j’improvise ma propre musique sur le piano. Quand je travaille dans mon atelier, j’écoute toujours de la musique, et mon travail se déroule en synchronisation, à la façon d’une écriture automatique, et je procède inconsciemment conscient de la mélodie, le rythme, de la mesure et le mythos de chaque pièce.

La création est une réconciliation avec soi et avec le monde - Zarina KHAN

Cette citation pourrait être mon slogan, mon leitmotiv. La céramique est pour moi une passion renouvelée et cultivée, une discipline de rigueur et de liberté. La terre est aussi un moyen de communiquer et de transmettre : je traduis mes émotions dans la matière, je les "inscris dans le dur". À travers elle, je grandis et je cultive la relativité de la perfection. La céramique est devenue une philosophie de vie qui a changé mon rapport au temps et au monde économique. Et elle me rend tout simplement "heureuse".

Initiée à la céramique en loisirs, en groupe, j'ai tout de suite aimé le face à face avec la terre. Je suis aussi tombée sous le charme de l'émulation et du plaisir du partage auquel elle invite. Inscrire la terre dans mon quotidien, en faire un métier, un appui intérieur, me sont apparus plus tard comme une évidence.

Je travaille toutes les terres, à la plaque, aux colombins mais surtout, en moulage et en coulage dont j'ai fait mon atout et une source inépuisable de diversité et de créativité.

Sa démarche artistique s’articule autour d’un questionnement sur le temps qui passe et sur les liens sociaux que nous entretenons pendant notre existence. Son travail artistique très personnel et féminin se présente sous diverses formes ; peinture, photographie, dessin, écriture, performance et installation d’objets liés à la couture. Ainsi le tissu, les aiguilles et les épingles, les bobines de fi, symbolisent le destin. Ses installations illustrent avec délicatesse les morceaux de vie que nous assemblons, brodons, raccommodons et les liens sociaux que nous tissons, entremêlons et qui s’effilochent avec le temps. Le thème de la limite est également abordé, celle que l’on se donne, que l’on nous impose que l’on franchi ou pas. Comme elle l’explique si bien, l’artiste amarre son fil aux rives de l’art par la sensualité d’un détail, l’éclat d’une carnation, l’échancrure d’un territoire féminin.

« Plus je regardais les objets qui viendraient atterrir sur mon bureau près des cahiers dans lesquels j’écrivais – clefs rouillées, boîte de bonbons, photos, tasses à café, pinces et briquets –, plus j’avais l’impression qu’ils communiquaient entre eux. Le fait qu’ils terminent ici, arrachés au milieu et aux gens auxquels ils avaient appartenu un temps – leur solitude en un mot –-, réveillait en moi la croyance chamanique millénaire que les objets aussi ont une âme. »

Orhan Pamuk, L’innocence des objets

Dans ma vie quotidienne, j’aime poser mon regard sur les objets, faire abstraction de ce qu’ils sont et décortiquer ce qui m’attire en eux. J’aime aussi imaginer qu’ils racontent une histoire et qu’ils communiquent entre eux.

Mon travail de céramiste part du même processus. Je collecte des objets glanés un peu partout, dans la rue, dans la nature, et je leur donne un rôle lors de la fabrication de mes pièces : certains m’inspirent, d’autres me servent de matériel de base ou déclenchent en moi un geste qui va donner naissance à une pièce. Au final, j’observe les pièces que j’ai réalisées avec le même regard que celui que je porte sur mes objets trouvés.

Hélène Rivière, janvier 2015

Dans mon travail, j’aime faire se croiser les matériaux de synthèse et les matériaux précieux, les techniques textiles et de bijouterie. Je cherche à susciter la curiosité du spectateur, perturber la perception commune des éléments qui nous entourent. 

Explorant la notion de tension, je cherche, à travers mes bijoux, à contraindre une matière souple et élastique, à lui donner forme.

Extension petit format est une collection mêlant la souplesse du caoutchouc à la rigueur de l’argent. Des pièces géométriques, uniques, et ludiques. Trois élastiques, trois couleurs, une multitude de formes, à vous de jouer !

Dimitar a la profonde conviction que les sons ont une forte influence sur l'esprit et le corps humain.

Les sons ont le pouvoir de créer des images qui peuvent rester constamment dans notre esprit.
Partant de là, il va utiliser ces potentialités pour visualiser le son et le convertir en objets d'art et en bijoux qui peuvent entrer en contact physique avec le corps humain. Il s'est basé sur une étude des sons et de leurs vibrations. Celle-ci est appelée Cymatics.

D'un point de vue pratique, il utilise le son d'une Kaba gaida bulgare pour créer des formes dans la fécule de maïs. Dès que l'amidon est versé sur un haut-parleur et que la musique est jouée. Celui-ci réagit aux  différentes fréquences, des tensions sont observées et ensuite, des formes en trois dimensions et en mouvement constant apparaissent. Ces formes sont prises en vidéos, photos et croquis et elles sont converties en objets construits à partir de petits morceaux de fil soudés ensemble, semblables à toutes les notes qui doivent être assemblées pour créer de la musique.

Fasciné par la douceur de la peau d'agneau utilisée pour la fabrication d'une cornemuse, Dimitar va étirer des tripes d'agneau autour de ces formes faites de fils.

En raison de sa capacité à rester flexible lorsqu'elle est mouillée et à durcir lorsqu'elle est sèche, cette matière  présente des caracteristiques uniques qui permettent la transmission des informations sonores capturées et des mémoires cryptées dans les objets.

La gamme naturelle des couleurs des tripes est associée aux couleurs utilisées pour décrire les différentes tonalités de la musique.