Ostensible.  Ostentatoire.

L’os, cet objet universel qui nous constitue.

L'os n'est pas une forme inerte et unique, il s'articule avec d'autres os et structures dans un processus de mouvement continu. L’os, architecture humaine protectrice de nos organes.

Le but de ma recherche n’est pas la création d’une collection ou d’un ossuaire.  Loin du fétichisme, il s’agit plutôt de l’invention de nouvelles structures osseuses imaginaires, improbables, futuristes, anticipatives, au-delà des formes et matières liées à l'anatomie.

Empreintes, articulations, emboîtements, constructions, moulages, coulages et tirages sont les mots-clés de mes expérimentations.

Atrophies, greffons, luxations, fractures, chirurgie osseuse, ablations, incisions, coutures, sutures, soudures, cicatrisations, attèles, bandages et plâtres, injections de fluides céramiques, bax-terre. 

Autant de manœuvres occultes et de phénomènes guérisseurs se rythment et se contorsionnent sur la table d’opération de ma création.

Anne Marie Laureys a étudié la céramique au Hoger Kunst Instituut Sint Lucas de Gand. Depuis lors, plus un jour ne sʼest passé sans quʼelle ne touche à lʼargile. Son langage, cʼest le tour, sa façon de pénétrer le matériau.

Elle aime que ses céramiques expriment fraîcheur et passion. Elle les veut tactiles. Travailler lʼargile, cʼest explorer ses lois physiques et donner forme à la sensualité quʼelle en éprouve. Cʼest célébrer ce moment intense où émergent un espace, des formes fines et délicates qui révèlent la vitesse, la fluidité et lʼextrême plasticité de lʼargile. Dans ses formes tournées puis transformées, elle tente dʼinsuffler sa sensibilité toute personnelle, une sensibilité qui va de pair avec la tension et la flexibilité de la terre humide. Elle aime à stimuler une large palette de sens, à rendre palpable le geste, aussi mystérieux à ses yeux que lʼexpérience sexuelle.

« Mes céramiques, dit-elle, sont des métaphores de sensations. » Clay-e-motion.

Le travail dʼAnne Marie Laureys est présent dans les collections de la Province de Hainaut (Belgique), du Taipei County Yingge Ceramics Museum (Taiwan), du Arts and Crafts Museum de Shanghai (Chine) et du China and Keramikmuseum du Westerwald (Allemagne).

Le regard circule. Et la lumière traverse, du dedans au dehors, du dehors au dedans, de l'envers à l'endroit, et à travers. Quand la lumière s'en va, il reste les vides et ses bords, blanchis.

Poils hérissés, chenilles de transmission, tronçon de cylindre mouvant, éponges marines, structure trouée à double paroi trouée, calcification d'un oubli, portion d'abdomen d'insecte fossilisé.

Genèse. Le végétal armature sera choisi, cueilli, coupé. Puis, chaque petit tronçon sera trempé, enrobé de papier porcelaine. Il trouvera son double, s'accolera et prendra place, accolé de nouveau à ses congénères dans le minutieux et périlleux montage de la paroi. L'objet est élaboré dans une longue patience, un cocon de silence. La paroi est envers et endroit, elle tourne, rejoint son début et s'enroule. Elle s'élève et se fait ossature.

Quand viendra l'étape de la cuisson, le végétal sera brûlé, perdu. En négatif, resteront l'empreinte de sa texture et les vides laissés par le corps disparu. La consistance est maintenant du côté du papier porcelaine mais, est-ce lui qui structure la pièce ou sont-ce tous ces petits vides auxquels il donne forme ?

La douceur était intacte.

Marie Lebrun

Un carré ne trompe pas : quatre angles égaux, quatre côtés égaux, deux horizontales et deux verticales.

Solide et tellurique. Archétype et abstrait. Ascétique et mystique.

Le carré est la base du plan constructif du temple, de la pyramide, de l’habitation, de la place publique. Il est aussi le symbole de la terre.

Il est le point de départ et la composante principale de mon travail.

Gravés dans l’argile, les tracés géométriques, droites et arcs de cercle, sous-tendent et relatent l’histoire de la genèse de la forme. Le découpage, suivit de l’assemblage de ces épaisses parois d’argile donnent naissance à des volumes architecturés à l’intérieur desquels des espaces s’ouvrent et invitent à pénétrer par la pensée : architectures improbables et protectrices ponctuées de fentes étroites donnant ouverture vers l’extérieur…

La couleur impose graphiquement et chromatiquement un climat de sobriété ; les gris nuancés de rouille et de reflets bleutés côtoient des noirs charbonneux de houille et de graphite.

Le carré est entièrement et pleinement engagé dans ma démarche ; il est instrument de travail et impose ses lois en me laissant le choix de les accepter ou de les refuser.

Jean-Claude Legrand
Juillet 2013

J’ai suivi le parcours de la dame depuis des années, et je retrouve dans son œuvre quelques points communs : depuis le début, elle manifeste un certain plaisir du détournement, de la récupération d’objets perdus, oubliés, inutiles ou futiles…
D’abord des vieux courriers, des factures périmées, des publicités anciennes, des morceaux de dessin et maintenant des vieux fils, des racines desséchées, ensuite on peut remarquer chez elle une certaine fascination de l’image, du reflet qui se déforme et s’éloigne de l’original pour devenir lui-même un objet neuf, AUTRE.
Depuis le début, elle joue sur ces deux tableaux là et met ses couleurs sur des objets en principe oubliés, morts. S’il y a un fil directeur, il est là.
Peut-être est-ce là une des faces de l’art : défier la mort, la mettre en échec symbolique, jouer avec pour la déjouer ?
Elle-même voit cependant l’art plus simplement que cela : pour elle, ce ne serait qu’une sorte de clef, un moyen d’ouvrir des portes, de créer des ouvertures, des boulevards même, et de créer des liens. Entrer en lien avec des ficelles ? Tiens tiens…
Pour elle, l’art est une manière de rêver, et elle ne trouve pas cela vraiment sérieux, elle qui veut uniquement nous entraîner dans ses rêves. Expliquer ses rêves, les vôtres ?
Mais les nouveaux éclairages, cela lui plait : aller à la base des choses, creuser jusqu’à la racine, puis en donner une autre vue, une seconde lecture, puis une troisième…
On marche il est vrai sur beaucoup de choses enterrées, qu’on ne voit même pas, et lorsqu’on les déterre et les regarde, on pense à autre chose en les voyant, par simple association d’idées, par effet miroir de notre imagination.
Le miroir inverse les choses… Prenons le mort et le vivant : la terre, demeure des morts, est remplie de racines bien vivantes. Arrachez ces racines et elles meurent… leurs poses figées, tordues sont alors bien celles de la mort.

Mais la couleur leur redonne une vie.

Mettre en lumière dessèche donc et tue, et mettre en couleurs suscite, ou ressuscite. Le vivant a alors l’air mort, et le mort semble vivant.
La mort est le domaine de l’ombre et le vivant celui de l’image.
Mais c’est quoi une ombre ? Etre l’ombre de soi-même, qu’est ce donc ? Sans y toucher, on parle là du visible et de l’invisible, de l’unique et de l’infini.
Car pour un seul objet, nous avons une infinité d’ombres possibles, qui changent et bougent avec la lumière. L’ombre a donc sa propre vie, même l’ombre d’un objet mort.
L’image d’un objet par ailleurs est aussi un objet, qui possède donc sa propre ombre.
Cette image est épinglée comme un insecte très fragile, aussi fragile peut être qu’une racine desséchée, entourée de minces fils de couleurs.
C’est fugace tout cela… Tout ne tient qu’à un fil finalement, comme nos vies, Monsieur.
Le fil est ce qui compte, le lien. Faut créer du lien, et cela ne s’achète pas, ne se vend pas.
Le fil est récupéré, donné, recyclé. Réinventé.

C’est tout un art.

Mauro Baccarini

Autodidacte degraded at het royale street academy of surréaliste belgium’s live, j’ouvre mon atelier de création de bijoux en 1992. A l’ombre des fournisseurs brevetés de la Cour de Belgique, je sévis en toute indépendance comme petite main pour Sa Majesté la reine Paola, le vicomte Dirk Frimout, Folon, Somville, enzovoort…
Fin du second millénaire après Jésus Christ de Nazareth, l’Art Competition for jewellery design d’Helsinki me gratifie d’un beau diplôme et d’un joli chèque en dollars pour des bijoux en béton. Je m’offre Born to Be Wild de Steppenwolf et m’octroie le titre honorifique de fournisseur de l’espaaaace.
Ma démarche consiste à disposer promptement un pied devant l’autre ; la maîtrise de cette technique ancestrale permet de restreindre substantiellement la consommation de mon matériau de prédilection biodégradable qu’est la matière grise.
Mes œuvres se sont exhibées à 98 reprises en Europe, Australie, Asie, Amérique. Certaines se pavanent sur de belles poitrines, dans des salons privés ou musées. Since 1959, je suis l’unique exposant wallon à l’Evénement : ze « Schmuck » de Munich et ça c’est vachement bien.

Le travail d’Hugo Meert consiste à créer des objets ambigus véhiculant des messages culturels : une théière délivre un double message de type pictographique, un vase est auto vandalisé, un plat alimentaire prend la forme du continent africain… La céramique est centrale dans l’oeuvre d’Hugo Meert car elle lui permet d’explorer l’univers des objets du quotidien ayant trait à l’alimentation, a la fragilité, au sport comme métaphore de la competition. La tranlucidité de la porcelaine l’amène à créer par exemple ces lampes déformées qui rappellent le caractère incontrôlable de ce matériau au four avec un clin d’oeil aux lampes design bon marché.

Ludovic Recchia

L’art de la joaillerie est pour moi comme la micro-sculpture. Le bijou signifie pour moi l'évolution à quatre dimensions d'une pensée, d’un sentiment, d’une vision. C’est un petit ‘moment’ qui orne le paysage d'un corps, d’une personne, d’un territoire vivant des idées, des sentiments et des réflexions. C’est une histoire du passé qui glisse à travers une scission dans le temps vers le futur.
L'incarnation complète d'un matériau autrement mort, qui se transforme en un organisme vivant avec sa propre histoire. Quand je me mets à commencer à travailler sur une pièce, l'esprit éteint le bruit statique du monde, et commence à flotter dans un vide, un biotope primordial d'une idée. Humblement, mais avec détermination, le matériau dans mes mains commence à se manifester dans des innombrables interprétations possibles de la forme, la couleur, le toucher et le sentiment. Ce petit moment dans le spectre de temps infini est capturé. Le temps s'arrête et il devient un point de repère.
Dans le processus de la conception/fabrication d'un bijou, je collectionne généralement toutes les informations que je peux trouver sur mon thème. Je lis, je regarde des photos, j’écoute la musique, j’improvise sur mon piano et parfois, je fais des esquisses. C’est comme si je prépare une mise-en scène d’une histoire qui évolue avec la création de chaque pièce où série.…
Souvent, les formes et les images d’une création éventuelle apparaissent dans mes pensées quand je suis à l'écoute d'un morceau de musique, où j’improvise ma propre musique sur le piano. Quand je travaille dans mon atelier, j’écoute toujours de la musique, et mon travail se déroule en synchronisation, à la façon d’une écriture automatique, et je procède inconsciemment conscient de la mélodie, le rythme, de la mesure et le mythos de chaque pièce.

Elise Péroi, designer et plasticienne textile a fait ses études en Belgique. Elle est sortie lauréate de son Académie.

À partir d’un axe, tout se lie, s’entrecroise, se déploie. C’est dans cette formule que son travail prend sa source et son élan. Partant d’une technique ancestrale ou l’acte de faire a autant de valeur que le produit fini, tisser est pour elle un moyen de s’exprimer et de s’inclure dans le monde actuel. Il s’agit pour elle d’un travail d’écriture textile qui s’étend à l’infini.

Elle puise dans la nature les idées comme les matériaux de ses travaux.Son travail se nourrit de diverses pensées et lectures qui invitent à réfléchir sur la richesse de la nature dans laquelle tout s’articule et se répond pour former une géométrie et une harmonie parfaites. Ses créations l’entraînent vers différentes pratiques reliées à ses tissages, tels le dessin, la peinture, les collages et la soudure afin de construire exactement les supports adaptés à ses créations textiles.

Le tissage renvoie à l’expression du corps tout entier. Par tous ces gestes qui se suivent et se croisent, une sorte de danse s’offre à nous.
A partir du centre de son expression s’étend un vaste territoire où tout est relié qu’elle souhaite explorer et partager.

Je suis convaincu que nous pouvons garantir le futur de la planète en respectant les richesses naturelles et en donnant la possibilité à la nature de se régénérer. Mes activités comme designer et ébéniste, sont basées sur cette conviction écologique.

Toutes mes créations sont fabriquées :

• à petite échelle et d’une manière artisanale,

• pour 100 % en bois feuillu indigène, massif, séché à l’air,

• assemblées avec des fixations en bois, traditionnelles et visibles, de telle façon qu’elles deviennent en même temps un détail esthétique,

• de telle manière que les plus grands meubles puissent toujours être démontés sans outils, ce qui facilite les transports, des réparations ou la transformation au cours de leurs vies,

• en gardant l’idée que l’existance du meuble doit pouvoir dépasser la durée de vie de l’arbre dont il est issu,

• avec respect pour le caractère de chaque essence appliquée : autant ses qualités techniques que sa singularité esthétique, je cherche à les intégrer les deux ensemble tout en harmonie,

• avec une finition de chaque côté à l’huile naturelle, appliquée sur la surface bien polie, les coins soigneusement arrondies, facilitant l’entretien et donnant un toucher agréable au bois.

Matériaux

Fils de Coton et lin

Crochets

Technique

Textile - Crochet manuel

Fabrication

Sculptures textile

Formée à la sculpture et au graphisme, Marie-Noëlle Risack délivre à partir d’un travail textile au crochet des coiffes contemporaines qui évoquent le monde animal et végétal. 

« Le versant organique de mon travail entre en connexion avec le vivant »
                                                                                        Marie-Noëlle Risack

Inciser. Proliférer. Inciser l’espace. Proliférer dans. Le trait découpe. 
Le motif s’organise. Les éléments sont nébuleuses, galaxies. 
Le motif s’organique : bactéries, cellules. Suit la direction spirale qui le ramène à lui et l’extrait vers le dehors. 
L’apparemment fini s’apparente à l’infini. 

Ainsi la vie, les cycles. Du minéral au végétal, de l’origine à la mort, du microscopique à l’incommensurable. 
Se condense en ces traits, en ces formes, en ces volumes le processus qui engendre les univers et les êtres.

Le mouvement est celui du temps. Dans l’instantané et dans la durée. 
Paradoxe de la réalité de ce qui nous entoure au sein du mystère même de l’existence. 
Celui du présent, relais permanent éphémère entre passé et futur.


Michel VOITURIER.
 

Dimitar a la profonde conviction que les sons ont une forte influence sur l'esprit et le corps humain.

Les sons ont le pouvoir de créer des images qui peuvent rester constamment dans notre esprit.
Partant de là, il va utiliser ces potentialités pour visualiser le son et le convertir en objets d'art et en bijoux qui peuvent entrer en contact physique avec le corps humain. Il s'est basé sur une étude des sons et de leurs vibrations. Celle-ci est appelée Cymatics.

D'un point de vue pratique, il utilise le son d'une Kaba gaida bulgare pour créer des formes dans la fécule de maïs. Dès que l'amidon est versé sur un haut-parleur et que la musique est jouée. Celui-ci réagit aux  différentes fréquences, des tensions sont observées et ensuite, des formes en trois dimensions et en mouvement constant apparaissent. Ces formes sont prises en vidéos, photos et croquis et elles sont converties en objets construits à partir de petits morceaux de fil soudés ensemble, semblables à toutes les notes qui doivent être assemblées pour créer de la musique.

Fasciné par la douceur de la peau d'agneau utilisée pour la fabrication d'une cornemuse, Dimitar va étirer des tripes d'agneau autour de ces formes faites de fils.

En raison de sa capacité à rester flexible lorsqu'elle est mouillée et à durcir lorsqu'elle est sèche, cette matière  présente des caracteristiques uniques qui permettent la transmission des informations sonores capturées et des mémoires cryptées dans les objets.

La gamme naturelle des couleurs des tripes est associée aux couleurs utilisées pour décrire les différentes tonalités de la musique.

Sans être figurative ou narrative, elle parvient à transposer subtilement ses expériences de couleur, espace et structure dans ses créations. Ce sont des peintures matérielles avec ocres, bleus et verts, vibrant entre structures linéaires et impressions. Elle aime le répétitif autant que l’imprévu. Son travail est un ensemble de rythme et de musicalité. Elle est aussi passionnée par le jeu de lumière, la porcelaine étant transparente, le défit devient plus grand avec le grès. Elle façonne de petites ouvertures dans la structure de la paroi afin que la lumière soit capturée pas la forme et le relief de même qu’elle se déplace dans et hors du pot.  

« Entre mes mains »

Matière rude et compacte entre mes mains,
Dialogue entre minéral et toucher,
Je t’étreins et te domine.
Argile souple et docile entre mes doigts,
Sillons entre griffures et caresses,
Je te fais vide à mieux m’emplir.
Entre paumes et empreintes,
Te voilà bol, prêt à offrir.
Je te tiens ou plutôt tu me tiens,
Qui tient l’autre?
Entre mes mains, toujours et encore,
Se renouvelle l’histoire.

                                        Jean-Pol Urbain

A force de tâtonnements, d’essais et d’échecs, j’explore l’univers du Shino au travers de cuisons au gaz et au bois. Essayant de redécouvrir les qualités duShino d’hier pour exploiter leurs potentialités expressives dans une céramique d’aujourd’hui.